2026 年大都會藝術博物館的春季展覽「Costume Art」，用 25 個多元身型的真實人台，重新問了一個博物館從來沒有正面回答過的問題：誰的身體，才值得被展示？
有一個問題，博物館從來沒有正面回答過：誰的身體，才值得被展示？2026 年，大都會藝術博物館的春季展覽「Costume Art」，第一次給了一個不同的答案。
一個遲來的宣告
每年五月，大都會藝術博物館的 Costume Institute 春季展覽開幕，Met Gala 慈善晚宴隨之舉行。今年的展覽主題是「Costume Art」，晚宴著裝要求是「Fashion Is Art」。紅毯是這個夜晚最被看見的部分，但展覽本身說的，是一個更根本的問題。
Costume Institute 在大都會藝術博物館有了第一個永久的核心展廳 Condé M. Nast Galleries，近 12,000 平方英尺，緊鄰博物館的大廳。在這之前，Costume Institute 的展覽大多被安置在博物館的外圍。今年，那個位置改變了。策展總監 Andrew Bolton 告訴 Vogue：「每一個策展部門、博物館裡的每一個展廳，真正的連結都是時尚，或者說是穿著的身體。它是貫穿整個博物館的共同線索。」
博物館一直在展示的，是哪種身體
在說「Costume Art」做了什麼之前，不如先說它在反對什麼。博物館的人台有一段很長的歷史，而那段歷史裡的主角幾乎一直都是同一種身體：纖細、健全、年輕。這不只是美學偏好，而是一套系統在不斷地告訴觀看者：什麼樣的身體是「標準」，什麼樣的身體是「例外」。
這套邏輯背後有更深的文化根源。18 世紀以來，西方美學裡有一個影響深遠的傳統，認為越脫離功能、越不依附身體的東西，越接近純藝術的本質。康德在《判斷力批判》裡把這個觀念系統化：真正的美學判斷是「無利害關係的」（disinterested）——欣賞一件東西的美，不涉及對它的佔有慾或功能性需求，純粹因為它美。這個論述在 19 世紀被廣泛接受，形成了一種把「有功能的東西」排除在純藝術之外的位階概念。
服裝在這個框架裡天生處於不利的位置。它必須被穿上，必須和一個真實的身體發生關係，必須服務某種功能。Bolton 在接受 Vogue 採訪時說，時尚長期以來被藝術接受的方式，是以否定身體為前提的——把和身體的關係切乾淨，才有資格被當作藝術看待。「Costume Art」要做的，是拒絕這個代價。
誰的身體，站在了展廳裡
展覽使用了 25 個全新製作的人台，全部以真實的人物為基礎翻模，而不是傳統博物館使用的女性 2 號尺寸標準人台。Bolton 在接受 AP 訪問時說，這個決定的目的是挑戰博物館長期以纖細、健全和標準化身體為唯一展示標準的歷史，同時呈現多元的真實身體和真實的生命經歷。
參與翻模的人物包括生而患有侏儒症的身心障礙活動人士 Sinéad Burke、出生即患有腓骨缺如症、一歲截肢後以義肢生活的殘障奧運選手及演員 Aimee Mullins，以及使用輪椅的音樂人兼模特兒 Aariana Rose Philip。展覽的身體分類鬆散地圍繞幾個在藝術史裡被低度呈現的範疇：孕期身體、老齡身體、殘障身體、豐腴身體。
藝術家 Samar Hejazi 受委託為所有人台設計了鏡面的頭部。Bolton 在接受 AP 訪問時說，這個設計是為了讓觀者同時看見展示中的身體的生命經歷，也看見自己，以促進同理心。當你站在一個展示著孕期身體的人台前，那個鏡面頭部映照的是你自己——它在問你，你怎麼看這個身體，你怎麼看你自己的身體。
在「老齡身體」展區，根據 AP 報導，有一件巨大的灰色連帽衫，上面印著「I’M RETIRED. (This is as dressed up as I get.)」這件衣服出現在博物館的展廳裡，是一個很安靜但很有力的時刻——它說的是，一個從勞動市場退場的身體，同樣值得被衣服好好對待，同樣值得在博物館的展廳裡佔有一席之地。
穿著即存在
為什麼服裝和身體的關係這麼重要？法國哲學家 Maurice Merleau-Ponty 在《知覺現象學》（1945 年）裡提出「具身認知」——身體不只是我們存在的容器，而是我們感知世界的方式本身。我們不是一個居住在身體裡的意識，而是透過身體來認識世界、和世界發生關係的存在。
從這個角度看，衣服是一個非常特殊的東西。它是身體向外延伸的介面，是我們和世界之間的第一層對話。你穿什麼，不只是你「展示什麼」，而是你以什麼方式在這個世界裡移動、被感知、和他人相遇。一件衣服的剪裁如何讓你的肩膀感覺更寬，一件布料的質地如何影響你走路的姿態，一個顏色如何在你走進一個房間時改變房間裡的氣氛——這些都不只是視覺的問題，而是關於身體如何在空間裡存在的問題。
繪畫可以在沒有觀看者的情況下存在。但服裝，如果沒有一個穿著它的身體，就什麼都不是。這正是「Costume Art」最核心的立場：服裝和身體的不可分割，不是它的缺陷，而是它作為藝術形式最獨特的位置。
並置的力量：讓服裝和藝術品說話
展覽的核心手法是並置——把服裝和藝術品放在一起，讓它們相互對話。近 400 件展品，大約 200 件服裝和 200 件藝術作品，兩兩成對呈現，橫跨五千年的藝術史。
根據 Met 2025 年 11 月發布的官方新聞稿，幾個展品組合可以說明這個手法的力道。川久保玲（Comme des Garçons）2017-18 秋冬系列的球狀造型，與超現實主義藝術家 Hans Bellmer 約 1936 年的銀鹽相片《La Poupée》並置；Walter Van Beirendonck 2009 年春夏系列的解剖學風格緊身衣，與 Albrecht Dürer 1504 年的雕版畫《Adam and Eve》成對。
這些配對說的不只是形式上的相似，而是關於身體如何在不同的時代、不同的媒介裡，被創作者凝視、詮釋、重新塑造。設計師在做的事，和畫家、雕塑家在做的事，有的時候是同一件事，只是材料不同。那個材料，一個是布，一個是顏料，但它們共同面對的對象，都是這個穿著身體的、有限的、有時間性的人類存在。
它帶來什麼啟發
「Costume Art」真正改變的，不只是博物館裡的展示邏輯。如果展示什麼身體，就是在說誰存在——那麼長達幾個世紀，博物館的人台說的是一個非常窄的答案。這個展覽把那個答案打開了。當一個使用輪椅的身體、一個孕期的身體、一個老齡的身體出現在博物館的核心位置，它說的是：這些身體從來都不是例外。
這個宣告，也延伸到每一個走出博物館的觀看者身上。如果服裝一直都是藝術，那我們每天早上打開衣櫃的那個動作，也是一種藝術的實踐——只是我們很少這樣看待它。我們選擇一件衣服，可能是習慣，可能是功能，可能是他人的目光，可能是一個說不清楚的感覺。但在那個選擇裡，有一個關於「我今天想成為什麼樣的人，想以什麼方式出現在這個世界裡」的問題，即使我們沒有意識到。
如果我們用對待藝術的認真程度，去思考我們和衣服的關係，我們的選擇會不會不一樣？不一定是要買更貴的，或更設計師的——而是更有意識的。知道你為什麼選了這件，知道這件衣服在你的身體上意味著什麼，知道那個意義對你而言是真實的，而不只是別人說它應該是什麼。
「Costume Art」展出至 2027 年 1 月 10 日。但它真正想留下的問題，在展覽結束很久之後，可能還會繼續存在。
當紅毯成為展場的延伸
今年 Met Gala 的著裝要求「Fashion Is Art」，在設計上是開放的，根據大都會藝術博物館的官方聲明，它邀請賓客「表達自己與時尚作為一種具身藝術形式的關係，並慶祝藝術史上無數對穿著身體的描繪」。
這個著裝要求比歷年更難詮釋，也更自由。它沒有說「穿成一件藝術品」，也沒有說「穿成某個藝術運動的風格」，而是說：你和時尚之間的關係本身，就是值得表達的東西。
Vogue 說這個著裝要求「留給想像空間很大」，這既是它的開放性，也是它的難度。在以往，一個明確的主題「Punk」、「Heavenly Bodies」、「Gilded Glamour」給了設計師和賓客一個清楚的方向。「Fashion Is Art」說的是一個更根本的問題：時尚本身是什麼？你和它的關係是什麼？這個問題，不同的人會給出非常不同的答案，而那些不同的答案，正是這條紅毯最有意思的地方。
Editor / Jonathan Tseng
Photo and Information Credit / Vogue, AP, Condé M. Nast Galleries, The Met, Y/PROJECT, Comme des Garçons, Hans Bellmer, Walter Van Beirendonck, Albrecht Dürer, Thom Browne
