首爾藝術週期間，走進七場當代藝術展，以光影、雕塑、建築與裝置探索身體、感知與城市的交互關係。從沉浸式裝置到後人類寓言，藝術家們用空間、材料與光影重塑我們對時間、身體與環境的感受，帶領觀者進入多層次的感官旅程。
建築、雕塑與自然的共鳴
安藤忠雄與 Antony Gormley 首度合作的《GROUND》在 Museum SAN 展出，隱身於山間花園下方，入口朝東山脈，提醒觀眾踏入前先感知地景延伸。地下圓形空間直徑 25 公尺，連接戶外花園，Gormley 的七件《Blockworks》雕塑散布其中，方塊切割的人體姿態與洞穴、光線和風聲交織。天窗光線隨時間移動，風從入口灌入，偶爾可聽遠方葉聲，這些不確定因素成為展覽的一部分，使觀者感覺自身被環境包圍。身體在此不僅是觀看工具，更用以測量空間、感受自然尺度。《GROUND》非單純展覽，而是一個讓人停下、與當下對話的場域，透過建築、雕塑、光影與風聲的共鳴，探索人與自然環境的關聯。
身體與城市的纏繞
首爾 White Cube 與 Thaddaeus Ropac 共同呈現 Antony Gormley 首次於韓國舉辦的個展《Inextricable》，以雙場館形式深入探討人類與城市之間無法分割的糾纏。展覽從身體與城市結構的相互關係切入，藝術家指出，如今「世界正在建構我們」，身體的動態與城市材料、建築形式緊密相繫。作品透過雕塑與空間介入，直接與城市的元素對話，使觀者感知自身與環境的共振。
展覽時值全球超過一半人口居住於都市網格，聯合國預測至 2050 年將增至七成，Gormley 的作品由此呈現都市化對個體的深層影響。展覽的雙場館布局使觀眾在公共領域與室內空間間穿梭，體驗身體如何被空間牽引與制約，同時反思建築與環境對感知的形塑。藝術家以雕塑作為工具，探索我們的身體、意識與城市之間的相互作用，並提出問題：藝術是否能作為對當下變化的感知催化劑？
《Inextricable》既是對都市生活的觀察，也是對人類生存狀態的測試，透過物質、形式與空間的交互作用，引導觀者重新審視身體、環境與文明條件之間的關聯。整體而言，展覽呈現的是一種在物理與心理層面上與城市共振的感知實驗。
影像與感官的生成
首爾樂天美術館舉辦《PROTOTYPE》，呈現 Ok Seungcheol 的首次大規模個展，展出超過八十件繪畫與立體作品。藝術家長期關注數位影像在當代環境中的運作機制，特別是複製、變形、流通與刪除所形成的結構。在這樣的脈絡下，影像不再以單一「原本」為秩序中心，而是在不斷的派生與消失中，持續生成新的感官經驗。繪畫在他手中不再是再現，而是一種處於不穩定狀態的模擬場域；畫布上的人物往往國籍與性別模糊，透過重複與消去被重新組構。相對地，立體作品則將獎盃或頭像等象徵形態，轉化為可被置換的表皮與創作的殘餘物，依不同尺度與材質在空間中展開。展名「Prototype」雖指向起始形態，卻被藝術家視為一種開放的系列，意味著影像與感官的條件總處於「成為」的過程，而非終點。
情感與親密的晚期探索
Kukje Gallery 於 2025 年 9 月 2 日至 10 月 26 日呈現 Louise Bourgeois 個展《Rocking to Infinity》，涵蓋 K3 與 Hanok 展廳，聚焦她後期二十年的雕塑與紙本創作。展名源自 Bourgeois 文字，喚起母親搖籃孩子的畫面，象徵安全與親密。K3 空間以布料與紙本環繞牆面，營造沉浸式體驗，其中《10 AM Is When You Come To Me》（2006）以紅色水粉描繪她與助理 Gorovoy 的手部動作，《Hours of the Day》（2006）結合時鐘與文字，冥想時間、記憶與情感。牆面下方展示晚期水彩與水粉，呈現自畫像、母與子、雙人、家庭、螺旋等主題。中心三件雕塑包括粉紅大理石的《Untitled (No.5)》（1998）、象徵無限與時間流逝的《Fountain》（1999）、以及纏繞螺旋、永不分離的《The Couple》（2007–2009）。Hanok 展廳展示 1994 年咖啡濾紙圓形繪作，兼具有機與幾何形態，呼應晚期布料系列，呈現 Bourgeois 對時間、情感與親密關係的持續探索。
後人類視角下的寓言景觀
Leeum Museum of Art 展出 Lee Bul 個展，回顧她自 1998 年以來的重要創作脈絡，呈現她在韓國當代藝術及國際藝術界的核心地位。展覽囊括約 150 件作品，涵蓋表演、雕塑、裝置與平面創作，探討身體與社會、科技與人性、自然與文明的互動，以及權力運作對其中的影響。早期 Cyborg 與 Anagram 系列，以及標誌性裝置，呈現藝術家對後人類狀態與人類追求永恆與完美的反思；大型鏡面裝置則構建出無限倒影的景觀，作為展覽的前奏。
核心展區展示自 2005 年起持續發展的 Mon grand récit 系列，以建築尺度的雕塑裝置探討現代性遺產及烏托邦理想的悖論，融合個人記憶、歷史敘事與社會文化脈絡，建構複雜寓言式景觀。展覽中還呈現近年創作的平面系列，形成多層次、非線性的觀展路徑，觀者在脆弱、堅硬或閃亮的材質、破碎結構、鏡面迷宮及想像場域間穿梭，經歷身體、心理與想像交錯的感官旅程，感受 Lee Bul 對當代人性與未來可能性的持續探索。
光與空間的沉浸體驗
首爾 Pace 畫廊呈現 James Turrell 個展《The Return》，展出五件近期裝置作品，其中包括專為此次展覽創作的全新 Wedgework。展覽跨越三層樓，並搭配攝影與紙本作品，呈現藝術家裝置創作與 Roden Crater 計畫的建構過程。Turrell 自 1943 年生於洛杉磯，是加州 Light and Space 運動重要成員，致力於「感知藝術」，探索光與空間的物質性。自 1960 年代 Projection Pieces 起，他的作品持續拓展，包括 Skyspaces 與 Ganzfelds 系列，強調「看見自己在看」的沉浸體驗。此次展覽亦是 Turrell 自 2008 年以來首度於首爾舉辦個展，作品收藏遍及全球主要博物館，包括韓國 Museum SAN、濟州 Bonte Museum、直島地中美術館、紐約 MoMA 與古根漢博物館等。他持續進行的 Roden Crater 計畫，將亞利桑那州火山錐改造成大型光觀測裝置，探索光的存在本身，而非僅揭示物件，呈現光作為感知的核心。
Author / Jonathan Tseng
Editor / Jonathan Tseng
Photo Credit / Jonathan Tseng, Pace Gallery
