隨著第六屆 Art Collaboration Kyoto（ACK）登場，京都的寺院、庭園與歷史建築迎來來自世界各地的藝術家。從柏原由佳與光明院長達十六年的連結，到吉田真一郎自歐洲返日後對傳統麻布的研究，這些藝術家將不同文化與個人經歷帶進作品之中，也讓京都深厚的歷史環境與當代藝術產生了新的聯繫。
以千年古都聞名的京都，長期保存著日本重要的寺院建築、庭園與傳統工藝。每年秋季，當代藝術也逐漸成為這座城市文化活動的一部分。2026 年迎來第六屆的 Art Collaboration Kyoto（ACK），於 11 月 7 日至 9 日在國立京都國際會館舉行，集結來自 18 個國家與地區、24 座城市的 63 間畫廊，其中海外畫廊達 32 間。
對於台灣讀者而言，ACK 或許不如 Art Basel、Frieze 等國際藝術博覽會熟悉，但這場自 2021 年創辦的活動，已逐漸建立起具有日本特色的合作模式。與一般由畫廊各自租用展位的形式相比，ACK 特別強調日本與海外畫廊之間的合作，將國際藝術市場的交流納入展覽制度之中。
ACK 最具辨識度的展區是 Gallery Collaborations（畫廊合作），由日本畫廊邀請海外畫廊共同使用展位，雙方可以共同規劃展出內容，讓不同代理體系與地域背景的藝術家在同一個空間呈現作品。對海外畫廊而言，這項安排也提供了與日本當地畫廊建立聯繫的機會。
2026 年的 Gallery Collaborations 共有 25 間日本畫廊與 27 間海外畫廊參與，組成 25 個合作展位。其中，東京畫廊 TARO NASU 與國際畫廊 Hauser & Wirth 以文字作為共同主題，展出 Louise Bourgeois、Jenny Holzer、Roni Horn 等藝術家的作品。另一組由 KOTARO NUKAGA 與 Almine Rech 組成的展位，則將 James Turrell 與森本啓太（Keita Morimoto）的作品並置，探討光線與感知。東京的 NANZUKA 也與紐約畫廊 Jeffrey Deitch 合作，帶來結合流行文化、神話與日本視覺文化的群展。
另一個主要展區 Kyoto Meetings（京都會議）則以京都為切入點，邀請畫廊透過藝術家的經歷、材料或創作主題，呈現與這座城市相關的作品。2026 年共有 11 間畫廊參與，包括京都的 imura art gallery 展出日本陶藝家辻村史朗（Shiro Tsujimura），以及香港畫廊 Kiang Malingue 帶來楊季涓與 Faye Wei Wei 的雙人展。Mendes Wood DM 則以出生於京都、後來移居巴西的日本裔藝術家大竹富江（Tomie Ohtake）為核心，呈現跨越日本與南美洲的創作經歷。
這兩個展區構成 ACK 的主要展覽內容。2026 年也首次採用七人組成的 Leadership Committee 共同領導制度，取代過去由單一藝術博覽會總監主導的模式，各展區與活動得以依照自身特色發展。除了畫廊展位，ACK 亦規劃 ACK Intersections 策展計畫、藝術講座、親子工作坊，以及與不同文化機構合作的特別項目。
京都府本身也是 ACK 執行委員會的成員，與日本當代美術商協會、日本當代美術振興協會、京都商工會議所等機構共同主辦。2026 年除了三菱地所與蔦屋書店等企業參與合作，活動亦獲得日本政府相關文化計畫支持，日本外務省、經濟產業省、觀光廳，以及多國駐日使館與文化機構則列於後援名單之中。
在國立京都國際會館之外，ACK 也透過「What’s On」介紹同期舉辦的藝術活動，並持續與 Kyoto Art Month（京都藝術月間）合作。這些活動由不同畫廊、藝術家與文化機構分別策劃，部分展覽進入寺院、庭園及歷史建築，讓觀眾能在博覽會之外接觸京都各區的藝術空間。
京都本身擁有大量具有宗教、工藝與生活歷史的建築，其中部分寺院平時參觀條件有限，僅於特定活動期間開放。當代藝術在這些場所展出，也提供了不同於一般觀光路線的文化體驗。2026 年的同期展覽中，幾位具有海外生活經歷的日本藝術家，以及來自歐美的國際藝術家，便分別將作品帶進京都的寺院與傳統建築。
十六年後，柏原由佳再次回到京都的庭園
十六年前，柏原由佳（Yuka Kashihara）曾經畫下京都光明院的庭園。多年後，這位長期旅居德國的日本藝術家重新找到當時的速寫，發現庭園裡的景物幾乎維持著原來的樣貌。2026 年，她帶著新的作品回到光明院，在這座熟悉的寺院舉辦個展《山、水の上を歩く》。
位於東福寺塔頭的光明院，以白砂與石組構成的庭園「波心庭」聞名。柏原由佳的創作長期圍繞自然風景、光線與記憶展開，而這座庭園早已存在於她過去的創作經驗之中。
1980 年出生於廣島的柏原由佳，於武藏野美術大學學習日本畫，2006 年前往德國，並於萊比錫視覺藝術學院持續深造。直到 2022 年，她才將主要創作據點由德國移回日本。多年來，她從不同地域的自然景觀汲取靈感，將森林、湖泊、山脈與洞穴組合為充滿個人記憶的心象風景。畫面以透明而鮮明的色彩堆疊，呈現出介於現實與想像之間的自然景象。
為了這次展覽，柏原由佳在京都的寺院度過九個月。重新找到十六年前描繪的庭園速寫時，她意識到，即使眼前的景物幾乎沒有改變，時間依然在其中留下了痕跡。土地、石頭、植物與光線，這些日常可見的事物，也逐漸成為她思考時間與記憶的線索。
她在展覽自述中提及，自己長年希望透過繪畫傳達世界的美麗，因此始終追逐著光，卻在不知不覺間忽略了陰影中的事物。隨著創作經歷累積，她開始意識到苦難與悲傷或許始終存在於美麗的事物附近。這份對自身創作的反思，也讓她開始重新思考那些曾經忽略的事物。
當代藝術與傳統工藝關係
出生於京都的吉田真一郎（Shinichiro Yoshida），在 HOSOO GALLERY 舉辦的《意識の白》（The White of Consciousness），是這次同期展覽中另一個值得深入了解的案例。1948 年出生的吉田真一郎，二十多歲時開始從事繪畫創作。1977 年，他前往西德，並在當地遇見德國藝術家 Joseph Beuys。根據 HOSOO GALLERY 公布的藝術家經歷，吉田在返國後受到 Beuys 影響，開始自學日本古美術與民俗學，並逐漸投入江戶時代大麻布與苧麻布的蒐集與研究。
吉田長期關注纖維的構造、絲線的撚度，以及不同地區的編織技法。大麻與苧麻曾是日本傳統衣著及生活用品的重要材料，隨著紡織產業改變，這些自然纖維的使用方式也逐漸產生變化。他持續約四十年蒐集相關布料，收藏累積至約 1,200 件，並曾在日本多間博物館發表研究成果。2018 年，他更因長年的麻布蒐集與研究獲得第六屆水木十五堂賞。
2021 年，吉田於 HOSOO GALLERY 舉辦《白の気配》（The Existence of White），公開歷經多年研究發展的作品《白》。作品將使用相同平織技法製作的大麻布並置，即使材料與織法一致，纖維粗細、絲線撚度與編織張力仍使每塊布料呈現不同的質地。這些細節原本容易在日常使用中被忽略，經過排列與比較，差異便清楚浮現。
此次《意識の白》進一步將苧麻布加入作品之中，讓兩種在日本具有悠久使用歷史的植物纖維共同構成新的《白》。展覽還呈現另一件裝置作品，由吉田從多年蒐集的資料中提取元素，再重新組織。他對白色的研究從布料本身的差異出發，逐漸延伸至人類對色彩與事物的辨識。
這場展覽由 HOSOO 主辦，井高久美子（Kumiko Idaka）擔任策展人、原瑠璃彦（Rurihiko Hara）負責研究，空間構成則由周防貴之（Takashi Suo）負責。HOSOO 創立於 1688 年，是京都歷史悠久的西陣織企業，至今仍持續將傳統紡織技術應用於當代設計與藝術創作。
吉田真一郎的創作經歷，提供了理解日本當代藝術與傳統工藝關係的另一條線索。1970 年代的歐洲當代藝術經驗，是他後來研究古美術與民俗學的重要背景；而長達數十年的收藏與研究，又讓他逐漸建立出以自然布為核心的創作方法。對於那些曾經廣泛存在於日本日常生活的材料，他仔細辨認不同時代的編織技術，以及保存至今的纖維細節。
國際藝術家的作品進入京都寺院
除了日本藝術家對自身文化與材料的研究，其他同期展覽也將來自歐洲與美國的繪畫、雕塑、攝影及拼貼作品帶進京都。蘇格蘭藝術家 Andrew Cranston 在建仁寺塔頭兩足院舉辦亞洲首次個展《Birds, beasts and flowers》，由愛丁堡畫廊 Ingleby 與倫敦畫廊 Modern Art 共同呈現。展名取自英國作家 D. H. Lawrence 於 1923 年出版的同名詩集。
Cranston 經常從個人記憶、文學與藝術史中尋找繪畫題材，人物、動物與自然景物出現在具有敘事感的場景之中。此次展出的《The Nightfishing》（2026）以壓克力顏料繪製於畫布與粗麻布上。這批新作亦參考了兩足院的建築、庭園及室內空間，呈現他對日常經驗與想像情境的興趣。Cranston 同時參與 ACK 主展場，由 Ingleby、Modern Art 與京都畫廊 Nonaka-Hill 合作呈現作品。
清水寺成就院則迎來瑞士藝術家 Ugo Rondinone 在日本的首次個展《shaping silence》。由倫敦畫廊 Sadie Coles HQ 策劃，展覽呈現十七件青石人物雕塑、一幅太陽繪畫，以及一件僧侶造型雕塑。
Rondinone 的石雕人物以粗獷的表面與簡化的人形構成，形式參考古代石堆及北極原住民族使用的石造地標。這些看似原始的造型，也與藝術家的家庭經歷相關。他的父親曾是一名石匠，使石材在其創作中具有特別的意義。十七件石雕人物被安排於成就院的室內空間，一幅紅色太陽繪畫則置於傳統床之間壁龕，與寺院原有的建築形式及庭園景觀相鄰。
另一場展覽位於創建於 1243 年的新善光寺。英國藝術家 Poppy Jones 在此舉辦日本首次個展《FLIGHTS》，使用麂皮、絲綢與舊衣物作為繪畫及版畫的基底，將生活中短暫出現的影像轉移至布料表面。
Jones 習慣從日常環境拍攝照片，再以印製與繪畫保留影像中的細節。窗邊的光影、植物輪廓、衣物與鳥類，經常成為她的創作題材。《Flights》描繪一隻鳥即將飛離枝頭的瞬間，動作被固定在麂皮表面；《Spring shadows》則將植物與花草投射在空白筆記本上的陰影留在畫面中。這些作品尺寸相對親密，布料原有的觸感與使用痕跡，也參與了畫面本身的構成。
新善光寺的歷史同樣與影像的複製有關。1243 年，後嵯峨天皇考量民眾前往信濃善光寺參拜的路途遙遠，於京都建立新善光寺，並依照原有的阿彌陀佛像製作本尊，使無法長途跋涉的人們也能在京都參拜。寺院歷經戰火與遷移，最終於室町時代遷至泉涌寺一帶。
這段歷史也出現在畫廊為展覽撰寫的介紹之中。Jones 作品涉及的影像轉印、衣物痕跡與記憶，與新善光寺保存和複製宗教形象的歷史，形成一種特殊的關聯。寺院內部的紙質屏風也被納入展覽論述，其分隔空間與呈現圖像的功能，與藝術家作品中布料和影像的運用相互呼應。
美國藝術家 Lorna Simpson 則在京都帶來自 1999 年以來首次於日本舉辦的個展。展覽由 OSCAAR MOULIGNE 呈現，另與 Hauser & Wirth 合作，在大德寺舉辦特別展出。
1960 年出生於紐約的 Simpson，自 1980 年代起便透過攝影與文字探討種族、性別及身分認同，尤其關注美國視覺文化如何描繪黑人女性。她長期收藏舊照片、歷史出版物及被棄置的新聞影像，其中包括美國黑人文化雜誌《Ebony》與《Jet》。這些原本帶有特定時代背景的照片，在她的拼貼與繪畫作品中被拆解、組合，有時覆蓋其他圖像，逐漸形成不同於原始照片的敘事。
此次展覽中的大型繪畫《Lightning》（2021），將攝影圖像與抽象色彩層層疊合，以深淺不一的藍色構成畫面。藍色是 Simpson 長期使用的視覺元素，既涉及夜空、自然景觀與憂鬱情緒，也帶有靛藍染料及藍調音樂的文化歷史。《Connected》（2023）則由三件拼貼作品組成，將女性的舊照片與星圖、星座結合，讓人物的身體與宇宙圖像交疊，改變照片原有的身分線索。
其中 2026 年創作的《Interpretations》這組由十二件拼貼構成的系列，將女性人物與貓的舊照片重新組合，產生帶有幽默與超現實感的畫面。其靈感來自 Simpson 幼年時母親曾讀給她聽的日本民間故事《畫貓的男孩》（The Boy Who Drew Cats）。故事由小泉八雲（Lafcadio Hearn）改寫，並於 1898 年由出版人長谷川武次郎（Takejiro Hasegawa）以英文版《Japanese Fairy Tale Series》系列出版。故事描述一名擅長畫貓的少年，在一座有妖怪出沒的寺院屏風上畫下貓群，夜裡這些貓竟神祕地活了過來。
這則故事在 Simpson 童年留下深刻印象。多年後，當她的女兒還小時，她再次找到這本書，並將其收入女兒的童書收藏。直到此次受邀於大德寺展出，故事的記憶又再次浮現。她將女性形象與貓的照片結合，延續自己長年透過既有圖像探索身分與再現方式的創作，也讓一則來自日本的童年故事，成為她此次京都展覽中特別的個人線索。
在歷史建築中，藝術與日常生活的距離
瑞士藝術家 Miriam Cahn 在有斐齋弘道館舉辦的《STILL LEBEN》，則從截然不同的方向處理記憶與日常生活。長期關注戰爭、性別暴力與社會不平等的 Cahn，在這次展覽中將注意力放在手錶、敞開的手提包、雨傘、床與鍋具等物件。展覽共呈現十五件作品，主要為近年的繪畫與素描，另外也包含創作於 1975、1983 與 1987 年的三本筆記本。
這些畫面很少直接描繪人物，但物品本身保留了人們使用它們的方式。手提包可能曾被攜帶，床與鍋具則與身體的休息、飲食及家庭生活相關。Cahn 曾談及戰爭與災難中的流離失所者，當人們被迫離開家園，隨身帶走的東西可能成為與過去生活最直接的聯繫。那些平時被視為普通的用品，也因為個人經歷而具有難以取代的意義。
Cahn 使用德文「Einmaligkeit」描述這些物品各自獨有的存在。即使外觀相似，每件物品仍承載不同的使用經驗與歷史。這些看似平靜的靜物，延續了她對戰爭、遷徙與個人處境的長期關注。
有斐齋弘道館原本是一處學問與文化交流場所，如今持續舉辦茶道、傳統文化講座及藝術展覽。展覽期間，館方亦提供預約制的特別呈茶，讓觀眾能在茶室享用專為此次展覽製作的和菓子與抹茶。展覽中的繪畫尺寸相對親密，與弘道館原有的室內空間相互配合。
同時間，Cahn 的作品也出現在 ACK 主展場，由 Meyer Riegger Wolff 與 MISAKO & ROSEN 共同呈現的展位展出兩幅描繪水龍頭與刀具的畫作。同一位藝術家的作品分別出現在藝術博覽會與京都歷史建築之中，呈現兩種不同的展示形式。
有斐齋弘道館的展覽也呈現了京都歷史建築今日的使用方式。這座過去作為學問與文化交流場所的建築，至今持續舉辦茶道、研究、教育與藝術活動。散布於京都各處的寺院、工藝空間與歷史學舍，各自保留著不同的使用方式與文化傳統，當代藝術展覽只是它們今日活動的一部分。
對於成立六年的 ACK 而言，畫廊合作制度已經建立起穩定的國際參與規模。同期展覽則由不同機構持續推動，觀眾從國立京都國際會館出發，還能前往寺院、庭園、畫廊及歷史建築接觸作品。京都原本熟悉的文化景點，增加了另一種走訪方式。
Editor / Jonathan Tseng
Author / Jonathan Tseng
Photo Credit / BC
Art Collaboration Kyoto 2026
Date / 2026.11.07 – 2026.11.09
柏原由佳《山、水の上を歩く》
Date / 2026.10.30 – 2026.11.11
吉田真一郎《意識の白》
Date / 2026.11.06 – 2027.03.20
Andrew Cranston《Birds, beasts and flowers》
Date / 2026.11.06 – 2026.11.22
Ugo Rondinone《shaping silence》
Date / 2026.10.27 – 2026.11.12
Poppy Jones《FLIGHTS》
Date / 2026.11.06 – 2026.11.10
Lorna Simpson 個展
Date / 2026.11.07 – 2027.03.06
Miriam Cahn《STILL LEBEN》
Date / 2026.11.06 – 2026.11.15
