從歷史上來看，擺拍很早就出現於靜物繪畫，直到 1980 年，才真正成為一個形式—— Staged Photography。早期的擺拍大多為技術需求產生的結果，而當代的擺拍則成為一種拍攝方式，甚至能透過一些 Know-How 學習如何拍攝擺拍。而在各種藝術創作中，擺拍也因藝術家的個人經驗不同，呈現不同的視覺效果。
繪畫的功能與擺拍的真實性
繪畫作為早期的記錄工具，最初用來作為經驗的傳遞，在文藝復興時代開始，功能則漸漸轉變為王權的彰顯以及宗教的傳遞，當然也指向畫作擁有者的身份，作為某種身份地位的證明，擺拍除了使畫面更完整之外，出現在畫面中的事物通常都具有含義。而靜物畫在荷蘭畫家的畫筆中，達到鼎盛，例如：1640 年 Jan Davidsz. De Heem 的作品《 Fruits et riche vaisselle sur une table 》，精緻的桌布上擺滿了不同季節的水果，宣示著擁有者的富有，處於桌邊的掛錶則提醒我們時間的短暫，帶給觀者豐裕下的反思。
此類型的作品在當時受到熱烈的歡迎，如果只是單純的抓拍，似乎很難讓這個畫面如此的平衡，更沒辦法令不同季節水果在畫面中共存。這幅畫中的強烈對比，除了繪畫者的功力，另一部分可以歸功於擺拍。攝影主要的功能無非為詳實的紀錄，然而擺拍的出現象徵攝影師不再處於客觀中立，而是將一部分主觀意識擺在觀眾眼前。第一幅擺拍作品，或許能以 Oscar Gustave Rejlander 於 1858 年的《 Two Ways of Life 》為代表，以 30 多張底片堆疊而成，講述一個關於罪惡與美德的故事。
光影對比堆疊出的真實 / Rembrandt Harmenszoon van Rijn
「明暗對照法」是 Rembrandt 創作中的一大特點，運用光影的結構，將高光聚集在主角身上，營造出如同劇場一樣的效果，創造出立體的空間感。荷蘭當時是中產階級崛起的時代，人人皆想被繪製、被記得，因此委託畫也越來越多。幽暗的空間，深沈而厚重的色彩席捲而來，隱隱約約間，露出隱藏在背景的數人，唯一清晰的僅有畫面前方，被一束高光正好打在身上的兩人，《 The Night Watch 》由工會委託 Rembrandt 製作，看似描繪巡衛隊於夜晚出巡的場景。根據研究推測，實際上時間不是夜晚，而是破曉時分，影子在夜晚或是火把的照射下，並不會顯現出如同畫面般清晰的樣子，而贊助者則依照重要程度，獲得繪畫的大小與清晰度。 Rembrandt 擅長捕捉人的真實面目，在此之前，繪畫一直是一件「美化」的事情，藝術家嘗試創作出「完美的人」，而 Rembrandt 卻選擇在畫布上留下歲月的真實模樣，眼下的皺紋、工作後倦怠的眼神，繪畫不再僅是構築出幻想的道具，而成為被繪者真實存在的證明。此外，他更繪製了遠多於其他藝術家的自畫像，這一切可以歸於他對「人」本質的探究。
神秘的邀請 / Mert Alas & Marcus Piggott
Mert Alas & Marcus Piggott 的作品，包含著傳統時尚照片所沒有的熱度與迷人，似乎無法以單純「漂亮」或是「優雅」等傳統形容詞描述，或許以「暗黑」、「怪奇」來稱呼會顯得較為貼切。他們不受限於各種規範，強烈的頑童精神也顯現在他們的攝影中，這樣不羈的風格，也讓他們得以與許多重量級人物合作，Kate Moss、Kim Kardashian 或是 Taylor Swift。
而於《 Interview 》雜誌中為 Madonna 拍攝的系列照片，更是獲得驚人的迴響。時尚產業似乎是最常擺拍的行業之一，模特兒被要求在放鬆的狀態下保持要求的動作，拍出自然卻無懈可擊的模樣；然而他們卻反其道而行，將單純的人像拍攝轉變得更為藝術性，除卻傳統時尚攝影中的終極目標，「完美拍攝出人、物」。同時加入了更多的異想，人體大幅度彎折的曲線，或是一臉慘白，卻塗著大紅唇彩的妝容，有時又如同屍體般，漂浮在盈滿水的房間裡。超現實的風格中，帶著情慾挑逗，而強烈又超飽和的色彩，則令觀者感到不安，一瞬也不敢移開目光。眼前所見彷彿不是影像，而是受困其中、隨時有可能脫逃的「異物」。
完美中的荒涼 / Maria Svarbova
一絲不苟、整齊劃一，如同奶油般平滑，觀看著這幅柔和色調的作品，如同旁觀排練了數千遍的夢境。從大片窗戶灑進的自然光，美好得令人莫名恐懼。出生於斯洛伐克的 Maria Svarbova，可說是近幾年最負盛名的攝影師之一，將社會主義時期的建築，轉換成如同夢境一樣的場域，新與舊的時空，在他的拍攝中重新交會。粉嫩的色彩，帶著潔癖與疏離，對稱的畫面與高曝光的拍攝風格，則賦予畫面魔幻的感受。
在 Maria Svarbova 的攝影中，僅有當下，我們無法得知上一秒的動作，或是推測下一個動線會往哪裡。被攝者被視為「物件」，依攝影師腦中構圖擺佈，鮮紅色的泳帽、頭帶或是領巾，強硬地佔據我們的視線，帶來視覺上的震撼。《 Swimming Pool 》作為他最知名的系列，猶如一福怪異的古典繪畫，游泳池總是令人聯想到溼滑、刺鼻的漂白水味，或是充滿著生鏽物件的空間，使我們不自覺蜷縮起腳趾，避免碰到地面；在他的作品中，這個泳池卻顯得異常乾淨整潔，而平滑的物件質感，則為觀眾帶來視覺上的快感。
事件當下與前刻 / Julia Fullerton-Batten
Julia Fullerton-Batten 的作品總帶給人一觸即發的感受，他將攝影主題設定在劇情的最高潮，如同電影的劇照，充滿著張力，帶有強烈的故事性，鏡頭下的人物皆如角色般個性鮮明。 觀者似乎能夠透過作品感受到持續細微的顫抖，隨時處在警戒狀態，如同演員般，總是若有所思、凝視著遠方，一有風吹草動就會四處張望。他以日常生活作為基準，增添奇幻的元素。
《 In Between 》系列中共有 14 件在不同空間的漂浮照，似乎可以用來作為說明這種不安感，其中 2009 年的《 Dressing Gown 》中昏暗的房間、酒紅色的床單、對稱的牆面如同祭壇，身穿粉色緞面睡衣的女子漂浮在老舊旅館空中，誘發觀者對於故事背景的好奇。他有時也會重現歷史上的真實事件，例如《 The Grain Tower 》便是取材自 1867 年一則《 Times 》新聞，畫面演繹死於肺結核的女兒，與抱著他屍體前往墳墓的父親。演員面向鏡頭，令觀眾得以聚焦在父親肅穆的臉與逝去的生命。
當攝影師佔據了話語權與主導權，被攝者作為呈現想像的物件，透過刻意營造的構圖架空現實，畫面中的多種元素不會受到外在環境的影響，彷彿真空的狀態讓創作的意識更加純粹。當攝影的真實性被「擺拍」挑戰，其中演繹與再造更是令人玩味。
Editor / Asta Chang
Author / Kuan
Photo Credit / Panorama de I’art, Wikimedia Commons, RTBF.be, Awake-Smile, Maria Svarbova